Après que Vassily Kandinsky et Franz Marc se soient rencontrés au début de 1911, ils décident de publier conjointement un magazine annuel programmatique sur les développements artistiques actuels. Ce faisant, ils voulaient transcender les frontières des genres ainsi que les distances temporelles et spatiales ou la séparation des différents arts. Franz Marc a expliqué le contenu de l'almanach avec les mots suivants : « Le livre [...] couvre le dernier mouvement pictural en France, en Allemagne et en Russie et montre ses liens subtils avec le gothique et le primitif, avec l'Afrique et le grand Orient, avec l'art populaire original et expressif et l'art des enfants, en particulier avec le mouvement musical le plus moderne d’Europe et les nouvelles idées scéniques de notre temps. Pour l'almanach, publié en 1912 par la maison d'édition munichoise Piper Verlag, les deux éditeurs ont juxtaposé des textes sur l'art et la musique, des ébauches d'une pièce de théâtre et des compositions musicales d'Arnold Schönberg, Alban Berg et Anton von Webern et les ont illustrés de 141 illustrations tirées de différentes périodes stylistiques. Selon l’almanach, cette comparaison comparative des œuvres d’art devrait montrer que « ce qui est réellement artistique (…) n’est pas une question de forme, mais de contenu artistique ». La forme peut donc varier considérablement si elle véhicule uniquement un contenu spirituel. Si l'on continue à lire la contribution de Kandinsky, il devient clair que l'almanach lui-même était destiné à déclencher un processus similaire, presque méditatif, à celui de l'art : « Si le lecteur de ce livre est capable de se débarrasser de ses souhaits, de ses pensées, de ses sentiments , puis en feuilletant le livre, passant d'un tableau votif à Delaunay, et plus loin d'un Cézanne à un journal populaire russe, d'un masque à Picasso, d'un tableau sur verre à Kubin, etc. etc., voilà comme ça devient son âme éprouve de nombreuses vibrations et entre dans le domaine de l’art. Pour la couverture de l'almanach, Kandinsky a rapidement livré onze brouillons jusqu'à ce qu'il se décide finalement pour une représentation stylisée de Saint Georges. Dans l’iconographie chrétienne, le chasseur de dragon est considéré comme le vainqueur du mal. Cela correspondait au sens de la mission de Kandinsky et à sa conviction que les hommes modernes, dans le monde matérialiste, ne faisaient plus partie d'une création unifiée et que seul l'art pouvait les ramener au spirituel. Le saint brandissant un bouclier et portant une coiffe frappante est assis sur un cheval cabré. Le dragon déjà vaincu se tord sous lui, sa queue écailleuse s'étirant derrière le dos du cavalier. Dans le coin inférieur droit, la princesse attachée le regarde. Kandinsky abstrait le motif presque jusqu'à sa dissolution complète. Dans le même temps, les visages expressifs et les lignes de contour prononcées montrent l'influence de la peinture sur verre inversée populaire, que les peintres autour du « Cavalier bleu » ont découverte à Murnau. Kandinsky a écrit à propos de la couleur bleue, utilisée pour colorer la gravure sur bois, dans l'essai « Du spirituel dans l'art » écrit en 1910 : « Plus le bleu devient profond, plus il appelle les gens dans l'infini, éveille leur désir du pur et finalement surnaturel. C'est la couleur du ciel. En tant que Cavalier Bleu, Saint Georges devient porteur d'un message de salut et pionnier avant-gardiste de la modernité.